Designers

Nicola Bottegal

Art Director

Nicola Bottegal, dopo quindici anni come pubblicitario e stampatore nel settore di installazioni per esterno nella propria agenzia, si avvicina al mondo dell’arredamento per caso, innamorandosene. Oggi Art Director e fondatore di LondonArt sempre alla ricerca di nuove idee e tendenze.

Ferruccio Laviani

Designer

Nato a Cremona nel 1960, si diploma nel 1978 presso l’ Istituto Professionale Internazionale per l’Artigianato Liutario e del Legno di Cremona. Frequenta la Facoltà di Architettura del Politecnico di Milano dove segue i corsi di Achille Castiglioni e Marco Zanuso, laureandosi nel 1986. Parallelamente è allievo della scuola privata Politecnico di Design di Milano dove consegue il diploma nel 1984. Nel 1983, inizia a lavorare presso lo Studio De Lucchi divenendone socio nel 1986 fino al 1991, anno in cui decide di aprire il proprio Studio a Milano. Si occupa di design, interior design, art direction e grafica. Dal 1991 è Art Director di Kartell, ruolo che negli anni, ha ricoperto per altre aziende come Flos, De Padova, Foscarini, Moroso, Society (Limonta), Emmemobili. Ha progettato spazi commerciali e allestimenti ma anche uffici e residenze, per clienti privati e marchi dell’arredamento e della moda come Cassina, Dolce e Gabbana, Dada – Molteni & C., Barovier & Toso, Piper- Heidsieck, Missoni, Citroen, Hansgrohe, Martini e Rossi , Swarovsky, Veuve Cliquot, Hennessy, Marazzi Group, La Rinascente, Piombo, Ermenegildo Zegna, Renault, Haworth, Emilio Pucci, Zara, Habitat. I suoi prodotti sono nelle collezioni di aziende di design come Kartell, Foscarini, Dada – Molteni, Emmemobili, Moroso, UnoPiù, Lema, Poltrona Frau, Fontana Arte, F.lli Boffi, Richard Ginori, Laufen, Citco, Ragno-Marazzi Group, Memphis, Driade, Panasonic, Pelikan. Una mostra dedicata alle lampade disegnate per Kartell è stata allestita nel 2008, presso il teatro Metropol di Milano. Due di queste lampade, Bourgie e Take, sono nella collezione permanente dell’ IMA, Indianapolis Museum of Art (USA); altri prodotti sono stati esposti in musei e mostre nel mondo. Nel 2015 sviluppa il nuovo concept per il museo Kartell di Noviglio, aggiornando il progetto d’interni che aveva ideato nel1999 e che ha vinto il Premio Guggenheim Impresa & Cultura 2000, come miglior museo d’impresa.

Cristina Celestino

Designer

Cristina Celestino è nata a Pordenone nel 1980. Nel 2005 si è laureata a Iuav a Venezia con i suoi punti di forza in Architettura e ha iniziato a lavorare con diversi studi di architettura, prima di spostare l’attenzione su architettura e design d’interni. Nel 2009 si trasferisce a Milano dove ha fondato il suo marchio di design sotto il nome di “Attico”, che produce lampade e mobili caratterizzati da una profonda ricerca sui materiali e sulle forme. Nel 2012 è stata selezionata per partecipare al Salone Satellite e dopo questa esperienza i prodotti Attico sono stati esposti in numerose gallerie internazionali e showroom. Il prodotto Atomizers, prodotto da Seletti, fa parte della collezione permanente del design italiano del Triennale Museum di Milano. Il suo lavoro attualmente comprende edizioni limitate per gallerie di design e musei, a commissioni speciali per marche eccezionali. Lavora come direttore creativo e come architetto si impegna in progetti impegnativi e interni. Nel 2016 Cristina viene assegnato con il premio speciale della giuria a Salone del Mobile. Nello stesso anno, in occasione di DesignMiami /, Cristina disegna la collezione “The Happy Room” per FENDI. Lavora e vive a Milano.

Carlo Colombo

Designer

Carlo Colombo è ritenuto tra i più importanti architetti e designer italiani. Fin da subito disegna per brand top level. Da quel momento colleziona centinaia di collaborazioni con i più importanti marchi del design Made in Italy: Antonio Lupi, Artemide, Bentley Home, Bugatti Home, Flou, Flexform, Franke, Giorgetti, iGuzzini, Penta, Poliform, Trussardi Casa, Varenna, solo per citarne alcuni. Oltre al disegno di prodotti di arredo e al design, Colombo si occupa per le aziende di strategia e di marketing, elabora progetti grafici e cura mostre, lavora come consulente e come direttore artistico. L’attività progettuale, inizialmente concentrata sul design e la progettazione di interni, si estende progressivamente anche al settore delle costruzioni, in Italia e all’estero. Nel 2004 l’architetto vince il titolo di Designer dell’anno; nel 2009 vince un concorso internazionale per la progettazione di due torri polifunzionali ad Abu Dhabi e dal 2011 insegna progettazione presso la De Tao Masters Academy di Beijing, in Cina. Tra i molti riconoscimenti, basti ricordare nel 2005, 2008, 2010, 2011 l’Elle Decor International Design Award, nel 2009 il Good Design Award dell’European Centre for Architecture Art Design e The Chicago Athenaeum, nel 2012 vince il Red Dot Design Award e nel 2014 il “Best of the Best” del Red Dot Design Award, l’Interior Innovation Award, il premio Design London e l’iF design award. Nel 2015 per la seconda volta vince il “Best of the Best” del Red Dot Design Award e l’iF design award. Nel 2016, in occasione della 25° edizione del l’Elle Decor International Design Award, vince con Flou il premio per il miglior letto. Nel 2017 vince l’International Design Award a Los Angeles con la poltrona scultura “784”; Sempre nel 2017, viene insignito del Titolo di Cavaliere dal Console Italiano a Lugano. Oggi lo studio si occupa di progettazione su grande scala in tutto il mondo, dal design all’interior e all’architettura.

Marcante - Testa

Designer

Andrea Marcante è co-fondatore dello studio di architettura UdA ( 1992-2014)  in cui ha collaborato in forma continuativa dal 2004 Adelaide Testa per tutti i progetti di interior design. Dal 2014 Andrea Marcante e Adelaide Testa creano una nuova realtà progettuale, MARCANTE – TESTA (UdA architetti), orientata alla ricerca sull’architettura e sul design nonché alla consulenza aziendale nel settore dei materiali e dell’arredamento. Le atmosfere di Marcante-Testa mirano a ricomporre elegantemente i molteplici valori dell’abitare. Essere seri e divertenti, autentici e raffinati, aver radici profonde ed amare il mondo: così linee melodiche indipendenti si combinano secondo regole rigorose nella composizione. Se certi interni ci emozionano è perché sono esemplificazioni di una possibile scelta tra aspetti conflittuali del nostro carattere, della legittima aspirazione a trasformare le nostre preoccupanti contraddizioni in qualcosa di bello. I loro progetti hanno conseguito premi e riconoscimenti, stimolando la ricerca spaziale verso un’architettura del contrappunto – dell’emozione e della ragione – nello spirito di una rinnovata sensibilità dell’Uomo. Nel 2016, con il progetto Liberamensa, lo studio avvia una collaborazione con l’amministrazione pubblica per introdurre l’architettura di interni in luoghi deboli, come le carceri.

Nicola Gallizia

Designer

Caldo, morbido, funzionale, minimal ma al contempo sofisticato. Sono queste le parole chiave che meglio descrivono la filosofia dell’interior design di Nicola. La sua fonte di ispirazione principale rimane lo stile milanese in quanto questa città non soltanto rappresenta le sue radici, il suo ambiente naturale, ma segna in modo indelebile il suo percorso di crescita e la sua identità. Infatti, sebbene Nicola ami le forme geometriche, gli angoli molto semplici e le composizioni lineari, la sua attenzione si concentra sulla ricchezza dei materiali per esaltare l’identità delle opere. Sebbene la sua palette colori preferita abbracci principalmente colori neutri (del marrone, dell’ottone, del grigio, dei colori naturali della terra), rivela una chiara passione per i giochi ton sur ton, magari con un tocco di contrasto, come un coup de théâtre, enfatizzare il concetto che intende esprimere. Le opere di Nicola sono ben visibili nel mondo del design, in particolare gli interni di molti hotel di lusso, dove l’attenzione ai dettagli e la trama narrativa di ogni progetto appaiono talmente uniche che spiccano dal resto della massa.

Anna Paola Cibin

Artist

Dopo essersi specializzata in arte della tessitura all’Istituto d’Arte di Venezia, studia a Londra e si forma a Murano con i maestri vetrai. Cresciuta tra tessuti e arte veneziana, ha reinventano l’uso di antiche polveri per la tintura e la lavorazione del velluto. I suoi arazzi “li stampa, li macchia, li arricchisce” di foglie d’oro e d’argento e con l’inserimento di particolari in vetro di Murano. Sceglie il velluto perchè è pura magia, e il colore è un continuo giocare con il vetro che appare e scompare a seconda del punto di osservazione. Ha esposto a Venezia, Milano, Firenze, Vienna, Eindhoven, Parigi, Londra, New York, Singapore. Ha creato opere, ora permanenti per l’aeroporto di Venezia e per il giardino sul Canal Grande di Palazzo Venart. Fra le sue collaborazioni: Eataly per Expo 2015 e per i negozi di Milano e Torino, L’università Cattolica di Milano, Four Season di Firenze e per la presentazione di Christian Louboutin a Pitti Uomo. Il libro VelvetLagoonVelvet è entrato a far parte della biblioteca permanente del “Furniture, Textiles and Fashion Department” del Victoria & Albert Museum di Londra. 

Pietro Russo

Designer

Pietro Russo nasce a Ostuni nel 1967. Studia pittura, decorazione della ceramica e scenografia all’Accademia di Belle Arti di Firenze, dove frequenta anche i corsi di design e architettura. Già durante gli studi intraprende un percorso creativo del tutto personale, che lo spinge a sintetizzare l’aspetto più fantasioso e imaginifico dell’allestimento scenografico al rigore tecnico-stilistico richiesto dalla progettazione d’interni. Sul filo di questa ricerca nascono le sue prime sculture: oggetti luminosi ibridi che lasciano intuire la cifra stilistica che caratterizzerà in seguito tutte le sue opere. Tre il 1997 e il 2002, Pietro vive a Berlino, dove lavora come decoratore di set cinematografici e designer di oggetti, che espone in diverse gallerie della città. Nel 2002 approda a Milano e per anni collabora con lo studio Lissoni Associati. Per Lissoni lavora sia come interior designer, sia come product designer e si occupa di progetti per Benetton, Kerakoll Design Gallery, Alessi, Cappellini, Kartell, Tecno Spa e Fritz Hansen, tra gli altri. Nel 2010 fonda il suo studio: una casa-atelier nel cuore di Milano, un laboratorio vivo e vitale che rispecchia in tutto e per tutto la sua energia creativa, oltre che la continua ricerca e sperimentazione. Insieme a un team selezionato di designer e architetti, in stretta collaborazione con una rete di fidati ed esperti artigiani italiani, Pietro si occupa di progettazione d’interni e design di oggetti. Le suggestioni che vengono dalla contemporaneità e dalle passioni che da sempre lo animano – la musica, il cinema, la natura e la fantascienza –, si trasformano nelle sue abili mani in creazioni senza tempo, curate fin nel minimo dettaglio. La sua filosofia progettuale è orientata al recupero delle lavorazioni artigianali e si concretizza in un rapporto fisico e spirituale al tempo stesso con i materiali scelti – il legno su tutti, ma anche la pietra e il marmo, l’ottone, il bronzo e il vetro – nel tentativo di ridare valore all’aspetto magico e rituale della creazione. Pietro lavora in perfetta sinergia con una squadra di professionisti, ma anche con i suoi committenti, che sono per lui uno stimolo straordinario ad accettare sfide sempre nuove. Attualmente sta lavorando a diversi progetti in collaborazione con Baxter, Gallotti & Radice, Editions Milano e Ichendorf Milano, tra gli altri.

Alfonso Femia

Designer

Nato a Taurianova, Reggio Calabria il 7 Dicembre del 1966 vive “partendo e ritornando” a Genova in un viaggio unico e continuo tra Genova, Milano e Parigi. Laureato presso la Facoltà di Architettura dell’Università di Genova nel 1992 è Iscritto all’Ordine degli Architetti di Genova, dell’Île-de-France dal 1995 e degli Architetti Svizzeri. Ha insegnato Progettazione Architettonica alla Kent State University di Firenze, alla Facoltà di Architettura di Ferrara e di Genova. Fondatore di 5+1 nel 1995 crea 5+1AA nel 2005 e 5+1AA Parigi nel 2007. Vince numerosi concorsi internazionali ed è pubblicato in riviste internazionali. È visiting professor nelle principali università italiane e internazionali. Nel 2015 fonda 500×100 e crea 500x100Talk la città come strumento di dialogo, un luogo di incontro e confronto sul tema della città, strutturato in due format condotti con Giorgio Tartaro: il SetTalk a Milano e il CityTalk nelle principali città europee e mediterranee. Sviluppa una “ricerca intorno alla materia” che lo porta a collaborare per progetti di design con aziende internazionali e con AFdesign* sviluppa temi legati alla ceramica, alla luce, al legno, al vetro, al cartone e al cemento biodinamico. Lo sviluppo tridimensionale della ceramica e della sua applicazione all’architettura lo porta a sviluppare alcuni prodotti che caratterizzano i recenti interventi residenziali di Parigi e di Brescia e la nuova sede di BNL/BNP Paribas a Roma. Con l’artista Danilo Trogu e alla sua magica poetica, sviluppa un “bestiario mediterraneo” in ceramica, che anima i Docks di Marsiglia, le OGR di Torino e le residenze di Asnieres-sur-Seine a Parigi. Nel 2017 trasforma la denominazione di 5+1AA in AF517 ovvero Atelier(s) Alfonso Femia e crea “L’Entre Deux” un format di approfondimento sulla metamorfosi delle città. Ama i numeri dispari, il Sud e una ciurma di ragazze e ragazzi che dal 1995 crede in questo “viaggio” volto a esplorare e conoscere il mondo attraverso il progetto di architettura e l’incontro con le città, il tutto con il sorriso e una nuova compagna di viaggio “la balaena e la sua stella”. Il viaggio nel viaggio.

Studio Mamo

ARCHITECTS

Studio Mamo è un team di architetti e interior designer che opera nel mercato di fascia alta in tutto il mondo. Studio Mamo ha una lunga esperienza nel mondo della moda, lavorando per alcuni dei più importanti marchi internazionali per lo sviluppo di collezioni per la casa uniche ed esclusive (mobili, luci, complementi, tessili per la casa, art de la table e accessori). Studio Mamo ha realizzato ristoranti, abitazioni, negozi per alcuni marchi di moda con un approccio originale e sofi sticato. Cerchiamo sempre di essere moderni e contemporanei, senza dimenticare il classico.

Elena Salmistraro

Designer

Product designer e artista, vive e lavora a Milano.
Si laurea in Industrial Design al Politecnico di Milano nel 2008 e nel Settembre 2009 fonda un proprio studio che si occupa di architettura e design, nel quale lavora tutt’oggi. Lavora come designer ed artista per diverse aziende del settore, tra le quali Alessi, Bosa, Seletti, De Castelli, B-Line, Bitossi Home, LuisaViaRoma, Yoox, NasonMoretti, Massimo Lunardon, Okinawa, Texturae, Stone Italiana, Effecte, MyHomeCollection, Durame e collabora con Gallerie d’Arte e di Design quali Dilmos, Rossana Orlandi, Camp Design Gallery e Secondome. Le sue creazioni sono frutto di una commistione tra arte e design, l’attenzione al dettaglio, la ricerca dell’armonia di forme, lo stile poetico caratterizzano i suoi progetti. La ricerca del linguaggio espressivo dell’oggetto, che può fascinare le persone evocando emozioni, è una priorità del suo lavoro. I suoi progetti sono stati selezionati per alcune tra le più importanti esposizioni tra cui: “The New Italian Design”, mostra itinerante organizzata da La Triennale Design Museum di Milano a cura di Silvana Annicchiarico e Andrea Branzi, con tappe a San Francisco, Santiago del Chile, Cape Town; alla mostra “The New Aesthetic Design” presso la Biennale di Shanghai 2013 per La Triennale Design Museum, ed alla Biennale Koreana, Gwangju, South Korea 2015. Nel 2016, in occasione della XXI Esposizione Internazionale della Triennale Di Milano/“Design After Design”, partecipa alla Mostra “W.Women in Italian Design”, nona edizione del Triennale Design Museum. Nello stesso anno dipinge su una mano disegnata dall’artista Mimmo Paladino, per l’iniziativa “Normali Meraviglie La Mano “ a cura di Alessandro Guerriero e Alessandra Zucchi, esposta alla Triennale di Milano. Nel 2017 viene nominata Ambasciatore del Design Italiano nel Mondo, in occasione della giornata mondiale dedicata al design italiano “Italian Design Day”, un’ iniziativa promossa dalla Triennale di Milano in collaborazione con il Ministero Degli Affari Esteri e il Ministero Dei Beni e Delle Attività Culturali. In occasione dell’evento “White in the City” promosso da Oikos e curato da Giulio Cappellini collabora con Alessi al progetto/installazione “L’esercito di spazzole”. Nel 2017 vince il premio “Salone del Mobile Milano Award” come “Miglior designer esordiente”. E’ presente alle più importanti fi ere nazionali ed internazionali del settore, tra le quali: Homi, Step 09 (Milano), Maison&Objet-Paris, Salone Internazionale del Mobile (Cosmit-Milano), Stockholm furniture and light fair_(Stockholm, Sweden). 

Elena Borghi

Designer

Creatrice di visioni, coltivatrice di parole dimenticate, braccia rubate all’agricoltura.
Nasce nel pieno di una tempesta estiva incutendo da subito perplessità nei genitori; il padre, sensitivo e inventore, quando la vede la prima volta esclama: “Sembra una stronza”. La madre, australiana e cresciuta correndo scalza tra i campi di tabacco, tuttora è orgogliosa che lo sia. Sin da piccola coltiva l’uso della parola e, appollaiata sul ramo di un albero nel giardino della nonna, passa le ore inventando storie e avventure. All’età di nove anni ritiene di avere materiale a sufficienza per una raccolta di novelle e ne comincia la stesura attraverso l’utilizzo di una vecchia macchina da scrivere. Grazie al teatro e all’opera lirica, a quindici anni comprende che da grande vuole fare la scenografa. Da allora progetta e realizza allestimenti per vetrine, fiere, eventi, interior design, pubblicità, shooting fotografici e qualunque spazio affamato di eteriche presenze. Disegna su muri, su carta e su ogni superficie dove possa scorrere il suo tratto nero. Da febbraio a dicembre 2012 è stata blogger presso Blogosfere approfondendo la conoscenza del web e della parola come mezzo espressivo. Nel Gennaio 2015 la casa editrice Logos decide di pubblicare una monografia dei suoi papercraft più significativi: “PAPER VISIONS”, della quale Elena cura anche i testi.

Eleonora Magurno

Designer

Eleonora Magurno è un artista e designer di tessuti freelance, con un esperienza più che decennale nel settore dell’arredamento e abbigliamento, attualmente lavora tra Londra e l’Italia. La sua curiosità e passione all’arte le fanno creare costantemente nuove idee nei sui disegni con la continua ricerca tra sperimentazione ed innovazione. I suoi lavori durante le collaborazioni a livello internazionale si differenziano per l’utilizzo di tecniche miste dal disegno, alla pittura ad acquarello e acrilico, alla fotografia, fino all’arte digitale. Le sue creazioni sono ispirate da tutto ciò che vede ed immagina, soprattutto dalla natura. 

Carlo Dal Bianco

Architect and Designer

Carlo Dal Bianco, architetto e designer, apre il suo studio a Vicenza nel 1993.  

La città rinascimentale rappresenta una precisa scelta stilistica e di vita che diventa il punto di partenza di uno stretto rapporto personale e professionale con l’architettura di Andrea Palladio. 

Fin dall’inizio si occupa di restauro monumentale di palazzi ed edifici storici e religiosi. Il suo interesse per l’architettura antica, sia per gli edifici che per i dettagli degli interni, e la passione per il collezionismo lo portano a creare un proprio e personale linguaggio stilistico che propone nei suoi lavori.

Dal 2001 a tutt’oggi è impegnato nel progetto di riqualificazione e ristrutturazione della sede e della Fondazione Bisazza. 

Inizia così una fertile collaborazione volta alla creazione dell’immagine aziendale, al disegno di una  buona parte delle collezioni, dei decori in mosaico e Cementiles, e alla progettazione delle quindici showroom sparse per le principali città del mondo.

Vince per due volte, nel 2004 e nel 2006 il premio Elle Decoration International Awards.

Progetta la ristrutturazione della sua abitazione privata e dello studio professionale di Vicenza, più volte comparsi in riviste e pubblicazioni italiane ed estere. Da qui inizia una proficuo lavoro di progettazione di residenze private e negozi –in Italia e all’estero– che si affianca alle collaborazioni con importanti marchi nel settore del design, oltre ad una personale ricerca per la decorazione. 

Chiamato dall’amico e designer Michael Sieger, dal 2008 collabora con la prestigiosa manifattura di porcellane Fürstenberg, per la quale ha disegnato un servizio per l’alta gastronomia. Negli anni ha collaborato e disegnato collezioni per diversi brand del mondo del design, tra cui: Rapsel, Xilo 1934, Rexa Desgin, Campeggi.

Dal 2016 lavora al restyling dell’immagine aziendale di un’importante ditta orafa vicentina. Ha progettato e collabora come consulente creativo per il nuovo project-store Insula delle Rose a Milano, importante realtà e punto di riferimento per l’interior design e l’arredo bagno.

Francesca Besso

Designer and Illustrator

La sua formazione artistica comincia in famiglia dove, il padre pittore e grafico e la madre decoratrice, le trasmettono fin da bambina la passione per il disegno e la conoscenza di numerose tecniche artistiche.

Giovanissima, collabora con il padre e per circa un anno con Piero Fornasetti, per cui esegue una serie di disegni al tratto.

In seguito, frequenta per cinque anni la Facoltà di Architettura presso il Politecnico di Milano senza però conseguire la laurea, poiché sceglie di lavorare come illustratore  presso diverse agenzie di pubblicità.

Nel corso degli anni, amplia le sue esperienze pubblicando come autore per Fabbri, Giunti e altre case editrici, manuali sulle tecniche artistiche.

Recentemente si è dedicata con passione al disegno di tessuti e carte da parati per produttori esteri.

Jon Iubler

Designer

Nasce a Livorno nel 1882 da una famiglia ebraica. Nel 1902 si iscrive alla “Scuola libera di nudo” di Firenze e un anno più tardi si trasferisce a Venezia dove frequenta l’Istituto di Belle Arti di Venezia. Durante il 1906 si trasferisce a Parigi, punto focale dell’ Avanguardia.

Jon riporta nel suo lavoro un ideale antico di Arte, ma i soggetti vengono sottoposti ad un processo di spersonalizzazione. Il modello “vero” perde di dettaglio e coerenza, si spoglia della sua identità, in favore di un’ entità sintetica lontana dal tempo.

Malika Novi

Designer and Artist

Malika Novi, artista e designer, nasce nella città di Smolensk, in Russia nel 1982. Inizia la sua educazione dal fashion design, studia alla scuola professionale di Moda di Smolensk e all’ “Institute of Fashion Industry” (IIM) di Mosca. In seguito studia alla Smolensk State University laureandosi nel 2011. Mentre era lì, studia pittura, scultura, belle arti, Interior Design e sucessivamente si trasferisce a Milano. Frequenta l’Accademia di Belle Arti di Brera e si laurea nel 2015 in Product Design. Attualmente vive e lavora a Milano.

Aryk Old Paint

Illustrator

Arianna, in arte “ARYK old paint” è nata nella piccola città di Bassano del Grappa, ma ora vive vicino Milano. La sua passione per la pittura e per la grafica è grande quanto quella per gli anni ’50 .

Studia Grafica e Fotografia, poi Industrial Design a Padova e infine Moda a Milano.

Ha iniziato la sua carriera nel mondo del Graphic Design, del Web Design, fino ad arrivare ad essere Graphic e Fashion Designer per alcuni noti marchi italiani e stranieri.

Dal 2009 si dedica alla Grafica Creativa ma anche alla decorazione a pennello (in perfetto stile vintage) su caschi, vecchie auto, moto, giacche in pelle, oggetti antichi, mobili d’arredo, tessuti, riuscendo ad imprimere su questi quella patina di vissuto che solo il tempo che scorre sa creare. Frequenta le varie esposizioni in Italia e all’estero ed è conosciuta per il suo amore spassionato per il lettering, ossia lo studio dei caratteri tipografici che riesce a trasformare in disegno.

Si occupa anche di progettazione grafica per note aziende produttrici di caschi e abbigliamento della scena “Custom” o relative a quelle della scena “Vintage”.

Tra i suoi recenti progetti c’è la partecipazione, come giudice per lo stile, nella trasmissione di SkyUno “Lord of the Bikes”, in cui dieci meccanici preparatori modificheranno e costruiranno moto uniche ed originalissime.

Laura Pozzi

Stylist

Laura Pozzi è stylist, executive producer e creative director. 

Vive e lavora fra Milano e Follina, Treviso, ed è specializzata in Visual Interior Communication.

Lavora dal 1998 in differenti media, portando, in ogni progetto, la propria passione per il design e i suoi 18 anni di esperienza nel settore.

Sebbene non collabori direttamente, oggi, con testate di interior e lifestyle, Laura ha da sempre un approccio innovativo ed editoriale al lavoro.

Onorata e orgogliosa di collaborare, e aver collaborato, alla creazione di importanti progetti per alcune notissime multinazionali, è autrice di due libri di decorazione finlandese, entrambi in quarta edizione. 

Andrea Marcaccini

ARTIST

Andrea Marcaccini, artista, influencer, instagrammer e lifestyle blogger. Nato a Messina l’11 settembre 1988 si trasferisce in tenera età a Mercatino Conca in Romagna dove studia scienze criminologiche. Con un passato da modello, Andrea è uno dei protagonisti di quel mondo senza confini generato dal fashion system e dai social network: la sua vita e i suoi sogni, in parte li ha tatuati sul corpo scolpito dal karatè e dalla palestra. La sua personalità eclettica racchiude un universo che va ben oltre la moda, tanto che la sua figura carismatica lo ha reso un’icona del lifestyle. Andrea, cittadino del mondo, è un instancabile creativo che crea installazioni, quadri, disegna t-shirt e scarpe. La sua spiccata indole da imprenditore lo ha portato a lanciare la sua linea di abbigliamento marcaccinidotcom e a collaborare in veste di direttore creativo con un nuovo concept store che spazierà dall’arte alla moda. E’ proprio l’arte che è il suo nuovo percorso di vita e su cui sta investendo le sue energie, attualmente le sue opere sono disponibili presso il Lambretto Factory a Milano. La sua creatività vulcanica lo ha portato nel 2016 a creare il suo brand di moda streetwear. La materializzazione di un canale di espressione pensato per dare forma a tutte le idee, le provocazioni, le storie che Marcaccini crea ponendo se stesso (e la sua pelle) come strumento centrale di tutta la sua forza espressiva. Si affaccia al mondo dell’arte con una collezione che porta la pop art negli anni Duemila. Marcaccini si sente di dare vita a una serie di riflessoni forti. Una collezione che nelle sue intenzioni raccoglie “ispirazioni cronologiche senza tempo”. Nelle sue opere punta a temi come la trasgressione e la droga insieme alla musica e Dio; fino all’arte stessa che gioca con i propri modelli.

Mirco Grotto

ILLUSTRATOR

Mirco Grotto, nato a Vicenza nel 1963. Si iscrive nel 1978 al Liceo Artistico di Valdagno e successivamente prova vari studi dall’Accademia di Belle Arti agli studi di Architettura a Venezia, ma è nel 1985 che trova la sua strada, frequentando il corso di illustrazione iperrealista a Salisburgo e conoscendo in quel periodo l’illustratore Renato Casaro a Monaco dove ha modo di frequentare il suo studio. Accresce l’interesse per l’illustrazione cinematografica e collabora con il Museo di Treviso, sperimenta varie tecniche dall’aerografo all’acrilico, ma è con i pastelli che trova il giusto equilibrio. Si orienta in direzioni diverse, e, accanto a realizzazioni di interesse scenografico e di destinazione televisiva, troviamo collaborazioni teatrali o cinematografiche 

Giancarlo Tintori

ARCHITECT

Giancarlo Tintori nasce a Milano nel 1961, si laurea in Architettura al Politecnico di Milano. Nel 1991 fonda Italian Design and Architecture Agency , stabilendo la propria sede a Milano. Riconosciuto internazionalmente per i suoi lavori di Interior e Store Design, realizzati nelle principali città del mondo. Ha disegnato e realizzato più di cento Architectural Concepts per i più importanti brand di Fashion e Design. Ha lavorato per Cassina, Camper, Cesare Paciotti, Franco Maria Ricci, D&G, Missoni, Nemo, Swarovski. La consulenza, per alcune aziende, si estende alla direzione artistica e all’ ideazione di eventi. Da più di dieci anni lavora in Cina per importanti brands locali e grandi compagnie di costruzioni. E’ impegnato come professore presso università internazionali, Facoltà di Architettura di Ferrara, Ecole Superieure du Commerce di Troyes, Tongji Univerity, dove tratta argomenti relativi all’architettura come veicolo di comunicazione per i brands.

Riccardo Zulato

Graphic Designer

Cresciuto con una dieta costante di musica e film, la sua visione si concretizza in un immaginario in cui minimalismo e complessità si fondono in forme e architetture visionarie uniche per eleganza e armonia.

Valeria Zaltron

Graphic Designer

Diplomata alla Scuola Internazionale di Grafica a Venezia, vive e lavora a Schio dove si occupa di progettazione grafica e comunicazione aziendale.

Francesca Giordano

Interior Designer

Diplomata all’Istituto Europeo di Design di Milano, con una tesi sull’Interior Design, coltiva da sempre anche una grande passione per la Scenografia, il Lighting e la Grafica. 

L’idea di poter personalizzare uno spazio e renderlo parte attiva della nostra vita, è sempre stata una sua grande fonte d’ispirazione.

Alba Ferrari

Illustrator

Classe 1992, dopo il Liceo artistico, Alba Ferrari ha frequentato la Scuola Internazionale di Comics, sezione fumetto.

Dal 2013 lavora come illustratrice per LondonArt spaziando tra varie tecniche, dalla pittura ad olio al disegno in vettoriale.

Benedetta Simone

Graphic Designer

Graphic Designer nata a Vicenza nel 1992.

Ha frequentato il corso triennale di Grafica all’Istituto Design Palladio di Verona. É appassionata di tipografia, illustrazione, grafica, loghi, carta, colori, fotografia, pittura e disegno. Ogni progetto è una nuova sfida. 

Cressida Bell

Designer

Cressida Bell è una designer inglese specializzata nel settore tessile e degli interni, che lavora nel suo studio londinese di Hackney. Dopo aver fondato una sua società per la creazione di tessuti stampati a mano e accessori, nel 1984, il lavoro di Cressida Bell è noto per il suo carattere decorativo senza compromessi. Anche se vi è un’ indubbia influenza proveniente dai suoi noti predecessori del Bloomsbury Group (Quentin Bell era suo padre e Vanessa Bell sua nonna),
Cressida Bell ha forgiato il proprio stile unico e individuale nel corso degli ultimi 32 anni.  

Kuo Yojun

Designer and Illustrator

Kuo Yujun, originaria della città di Taiwan di Tainan, lavora in Nihonga, una tecnica utilizzata dai pittori giapponesi per oltre un millennio. Utilizzando pigmenti minerali colorati mescolati con la colla, dipinge piante e uccelli in ambientazioni idilliache. Le opere eleganti di Kuo riflettono una relazione profonda e duratura con la natura.

Tiffany Lynch

Designer and Illustrator

Tiffany Lynch è nata nel Sussex e ha studiato illustrazione alla Harrow school of Art and Design and Central St. Martins school of Art and Design. Ha ricevuto un First in B.A Hons e un First in Post Grad. Tiffany condivide uno studio nel Nord Laines, Brighton - Studio Greenhouse, uno studio in cooperazione con altri nove artisti e illustratori.

Traendo ispirazione dalla magia della natura, dalle passeggiate lungo le rive del fiume, dai parchi, dalle siepi e dalle foreste, dalle bellezze mutevoli di primavera, estate, autunno e inverno nel mondo naturale e le creature che vivono all’interno di questi Regni. Tiffany lavora in acrilico su tela e inizia sempre il suo dipinto da disegni a penna e inchiostro.

 

E‘ stata in molte mostre collettive tra cui R.A summer exhibition, The London Group R.C.A, Chelsea Arts Fair, Battersea Arts Fair, Brighton open house festival, The Mall Galleries, The Thebes e Chalk Gallery Lewes Art Wave, Coombe Gallery Dartmouth and Rochelle School of Art Shoreditch, Portland Gallery Richmond, Ashdown Gallery Sussex.

Le sue pubblicazioni si trovano su Picador, Penguin, Virago, Cico Publishing, Paper chase, Paperlink, Gallery Five, Camden Graphics, The Art Group, The Independent, The Telegraph, John Lewis publishing, Coast Magazine.

Luca Barcellona

Designer and Artist Calligrapher

Classe 1978, è un artista e calligrafo di Milano. Da sempre interessato di lettering in tutte le sue forme, insegna dal 2008 con l’ACI, e tiene corsi e conferenze in tutto il mondo, diffondendo la sua idea della scrittura come disciplina storica in costante evoluzione, che sopravvive grazie alla contaminazione con le tecniche attuali e l’applicazione della calligrafia nella comunicazione visiva del nostro tempo. Ha collaborato con i suoi lettering con i principali brand e agenzie di comunicazione internazionali, tenuto workshop e conferenze, e live performance in tutto il mondo, portando avanti, parallelamente, la sua attività artistica ed espositiva. Nel 2012 ha pubblicato Take Your Pleasure Seriously, la sua prima monografia per la casa editrice Lazy Dog press, di cui è anche socio fondatore.

In ambito musicale, ha fatto parte della scena hip hop dalla fine degli anni ’90. Collezionista di vinili, in particolare di soundtrack, sonorizzazioni e latin jazz, collabora come grafico con l’etichetta Four Flies di Roma e per la collana Spettro, edita da Tannen records, specializzata nella riedizione di colonne sonore e libraries italiane.

Andrea Castrignano

Interior Designer

Andrea Castrignano è un interior designer che ha fatto del tailor-made la propria filosofia professionale. Instancabile esportatore della cultura anglosassone assorbita durante il suo percorso professionale, dal 1997 combina progettazione “chiavi in mano” e consulenza a tutto tondo. I suoi interior project vanno dal settore privato al retail.

Dal 2011 è protagonista e ideatore del programma Cambio Casa, Cambio Vita!, il docu-reality in onda su La5 e giunto quest’anno alla settima edizione. È autore di tre libri dedicati al mondo dell’interior design e ha creato anche il primo interior design blog: una finestra multimediale che attraverso immagini e video descrive la sua visione progettuale tra cantieri in corso, making of, ristrutturazioni e prodotti. Collabora con numerose aziende nel mondo dell’interior design progettando collezioni in esclusiva di cui segue personalmente la realizzazione e la messa in produzione.

La sua raffinata capacità di definire il carattere di una casa attraverso il colore, e il suo personalissimo stile minimal baroque hanno rivolto su di lui l’attenzione delle testate di settore più prestigiose, che ne hanno spesso raccontato la potenza sofisticata e la visione positiva e solida della sua passione: il lavoro.

Ventizeronove

Designer

Studio grafico milanese fondato da Sonia Mion e Nicola Iannibello (membro professionista Aiap), nel 2009, si occupa principalmente di corporate identity, editoria, packaging, e illustrazione. Come sede un’ ex filanda ristrutturata, vicino al Naviglio Grande, un po’ studio e un po’ luogo d’incontri. L’illustrazione è un elemento importante del loro lavoro, per questo realizzano, dal 2011, il magazine di illustrazione Nurant.

Tra i clienti con cui hanno lavorato: IED (di cui sono anche tutor su progetti speciali), daab edizioni, 24oreCultura, Moleskine, Depuravita, e molti altri. 

Lo spirito principale è quello di essere sempre circondati da persone con professionalità specifiche e differenti, risorse che rendono il lavoro completo e in continua ricerca.

Marco Campedelli

Designer and Calligrapher

Marco Campedelli (1973) è un artista multidisciplinare, grafico, calligrafo e illustratore. Vive e lavora a Verona. 

Nel suo studio si occupa di packaging design, illustrazione editoriale e comunicazione. Come artista ha partecipato, con opere di calligrafia espressiva, a mostre personali e collettive in Italia, Spagna, Belgio, Svizzera e Argentina. La sua poetica visiva si basa principalmente sulla combinazione eterogenea di lettere, timbri e segni calligrafici che si ispirano a differenti culture artistico-filosofiche.

Oscar Francis

Illustrator

Sarah Evans fonda lo studio Oscar Francis a Londra nel 2013.

Sarah ha lavorato per quindici anni come architetto per poi dedicarsi a stampe e tessuti che combinano la sua passione per l’architettura, il fascino delle città ed i diversi tipi di edifici che definiscono l’ambiente urbano.

Partendo da tipici esempi di architettura moderna, principalmente degli anni cinquanta e settanta, li re-immagina e trasforma in splendide stampe e pattern.

Hello Marine

Illustrator

Le brillanti e moderne opere d’arte di Hello Marine sono piacevolmente audaci ed estremamente attuali con illustrazioni e progetti che si rivolgono sia a grandi che piccini. Hello Marine disegna e vende una gamma di stampe Giclée auto stampate, carte e cuscini stampati a mano direttamente dal loro studio a Brighton e da un numero selezionato di negozi indipendenti e di gallerie nel Regno Unito e all’estero. Heals ha recentemente commissionato una serie di cuscini stampati a mano in tre designs popolari d’arte ispirate alla marca di arte contemporanea ESTA - esclusiva guarisce; Leon, Lisette e Lola.

Victor Cavazzoni

Illustrator

Nato nel 1974 a Mantova, dove sono tornato a vivere dopo qualche anno passato a Milano e a Parma. Ho sempre lavorato nell’ambito di web e graphic design ma negli ultimi anni ho focalizzato le mie energie sull’illustrazione, concentrandomi in particolare sull’illustrazione concettuale, che è il linguaggio con cui sono più a mio agio, e in cui la spinta principale è l’Idea  prima ancora della forma o dello stile.

Realizzo progetti per case editrici e agenzie di comunicazione.

Andrea Rubele

Illustrator

Andrea Rubele vive a Verona, dove pochi anni fa ha cominciato a muovere i primi passi nel mondo della creatività digitale.

Con una Laurea in  Comunicazione Integrata e Design (IUSVE) nel 2013, ha intrapreso un percorso lavorativo presso Bentobox.pro, dove ricopre il ruolo di Web e Content Designer.

I tratti geometrici, le curve alternate e talvolta l’uso di illusioni ottiche all’interno delle illustrazioni strizzano l’occhio alla sua formazione da Graphic Designer.

Massimiliano Mornati

Architect

Como 1970, si laurea in architettura a Milano nel 1998, dopo esperienze in studi di architettura a Rotterdam, Berlino e Milano inizia la sua attività di progettista nei campi dell’architettura, dell’allestimento e del disegno del prodotto, continuando il suo impegno nel disegno industriale.

Giuliano Cardella

Artist

Giuliano Cardella vive ed opera a Lumezzane (BS), Italia. Diplomato in arte applicata presso l’Istituto d’Arte di Castelmassa (Rovigo).

Giuliano ha al suo attivo numerose Mostre Personali e Collettive, nonché riconoscimenti ufficiali in ambito nazionale. Numerose Opere sono presenti in collezioni pubbliche e private in Italia e all’estero (Olanda,Francia Giappone, Stati Uniti, Spagna, Germania, Cina, Australia, Brasile). Collabora con Galleria “Takeawaygallery” a Roma e la Galleria “Memoli Arte Contemporanea” di Milano: i suoi lavori sono anche presenti in vari spazi espositivi a Milano e Roma.

Le Opere di Cardella sono state esposte   presso la Royal Academy  e la Saatchi Gallery di Londra.

Angeletti Ruzza Design

Designer

Entrambi progettisti, laureati in Industrial Design all’I.S.I.A di Roma, Silvana Angeletti e Daniele Ruzza, compagni e partner nella vita e nella professione, aprono a Rieti il loro studio di design nel febbraio del 1994; dal 1999 al 2015, sono membri dell’ADI.

Dal 2010, insegnano Industrial Design allo IED di Roma e, dal 2012 al 2014, hanno insegnato presso l’Università di Ascoli Piceno.

Come Angeletti Ruzza Design, hanno partecipato e sono stati premiati e segnalati a numerose competizioni internazionali di design, e hanno collaborato – sperimentando e curiosando in diversi territori di ricerca - con alcune fra le più importanti realtà industriali italiane, nei settori dell’arredobagno, dell’illuminazione, dell’arredamento, dei complementi d’arredo e nell’oggettistica per la tavola; hanno realizzato progetti di interior design per hotel e strutture ricettive. Alcuni loro prodotti fanno parte della collezione permanente del Chicago Athenaeum Museum.

Paolo Cappello

Designer

Nato nel 1980 a Verona.

Laureato in Industrial Design al Politecnico di Milano.

Dopo tre anni di collaborazione con Ludovica e Roberto Palomba a Milano, nel 2007 aprì il suo studio a Verona dove collabora con altri professionisti dell’architettura, grafica e comunicazione.

I suoi lavori sono stati esposti a Roma, Milano, New York, Parigi, São Paulo, Miami, Londra e Dubai.

Paolo ha collaborato con Rolling Stone Magazine scrivendo articoli sul design  per l’edizione online.

I suoi lavori sono apparsi sulle più importanti riviste come il New York Times, Herald Tribune, Abitare, Interni, Ottagono, Residence, Icon, Elle Decor e Rolling Stone. 

Matteo Zorzenoni

Designer

La sua ricerca è concentrata sui materiali, sui loro limiti e porta alla scoperta delle loro potenzialità. I suoi lavori sono stati esposti a: Maxxi Museo Nazionale delle Arti del XXI secolo di Roma, Biennale d’Arte e Design di St. Etienne, London Design Festival e Biennale di Venezia.

Ha insegnato allo IUAV di Venezia; coopera con lo IED di Madrid ed ha presentato un workshop per Domaine de Boisbuchet (Vitra Design Museum). Dopo una collaborazione  con Fabrica, la curiosità per il mondo dell’artigianato l’ha portato a progetti per clienti come Cappellini, Mercedes Benz, Replay, Alcantara, Bosa Ceramiche, Miniforms.

Luigi Semeraro

Designer

Luigi Semeraro, nasce a Varese nel 1978. Product, interior designer e street artist, si laurea alla Facoltà del Design del Politecnico di Milano. Nel percorso formativo ha avuto modo di arricchirsi di esperienze accademiche e professionali in Italia e all’estero, spaziando dal product all’ interior design fino alla grafica. Comincia la sua carriera professionale collaborando con diversi designer e studi di progettazione (tra cui William Sawaya, Mario e Claudio Bellini e lo studio Lorenz-Kaz). Successivamente inizia la sua carriera individuale partecipando al Salone Satellite, presentando la sua prima collezione di oggetti. Parallelamente, in ambito accademico, ha maturato diverse esperienze come cultore della materia alla Facoltà del Design al Politecnico di Milano per vari corsi di progettazione e workshop con importanti aziende. Attualmente il suo lavoro si divide tra progetti di interior, collaborazioni con aziende di design (LONDONART, DOMITALIA, MINIFORMS, MIRABELLO, EMMEI, F2DESIGN, ANTONIO LUPI, UNIVERSO VEGANO) e l’attività di street artist, contaminando le diverse discipline traendone reciproca ispirazione.

Davide Finotti

Tattoo Artist

Cresciuto negli ambienti underground di varie città e ha sempre avuto il bisogno di esprimere quel disagio che lo ha, sin dall’inizio, perseguitato. 

Un disagio generazionale interiore che, dopo vari passaggi “artistici” tra scultura, musica e pittura, ha trovato naturale sbocco nel mondo del tatuaggio nostrano. Segnare con tratti marcati rappresenta il fine ultimo.

Tatuaggi ruvidi e senza fronzoli a rappresentare la durezza della vita, il nero senza compromessi per esaltare l’essenza dell’esistere, negazione totale dell’estetica e dell’esteriorità fine a se stessa.

IED

Istituto Europeo di Design

Quin Man

IED Moda corso in Fashion Design

 

Giorgia Sara Conte

IED Moda corso in Fashion Design

 

Davide Spazzadeschi

IED Arti Visive corso in Graphic Design

 

Angelica Gabellini

IED Moda corso in Fashion Design

 

Greta Giusti

IED Arti Visive corso in Graphic Design